Musica usa e getta: l’abbondanza digitale compromette la qualità? Impatto di tecnologia e algoritmi sul consumo. Anima vs. mercato.
La produzione musicale non è mai stata così accessibile: grazie a tecnologie sempre più economiche e piattaforme di distribuzione digitale, chiunque può creare e condividere la propria musica. Ma questa abbondanza ha un costo? In un mondo dove si caricano milioni di brani ogni anno sulle piattafome di streaming, la percezione di “troppa musica” si accompagna spesso all’idea che la qualità complessiva sia diminuita.
La questione non riguarda solo la musica, ma il modo in cui il pubblico interagisce con tutti i contenuti online. Con playlist personalizzate e algoritmi che suggeriscono nuovi brani, però il rischio è che si privilegi ciò che è popolare o immediatamente accattivante, a scapito di opere più complesse o innovative. Cerchiamo di capire come la troppa musica influenzi la qualità, analizzando il ruolo delle piattaforme digitali, dei gusti del pubblico e dell’industria musicale.
Indice
- Cosa significa troppa musica?
- Impatto della quantità sulla qualità
- Il ruolo dell’industria musicale
- Algoritmi Ai e consumo musicale
- L’equilibrio tra quantità e qualità
Cosa significa troppa musica?
Ogni giorno oggi si pubblica una quantità di musica pari a quella dell’intero 1986. Lo ha affermato su Music Radar Will Page, chief economist di Spotify. Secondo i dati aggiornati al 2023, ogni anno 75,9 milioni di artisti o producer inviano brani; si stima diventeranno 198,2 milioni entro il 2030. Non serve un esperto per capire come la tecnologia abbia rivoluzionato il modo in cui la musica viene creata, registrata e distribuita.
Software audio come Ableton e FL Studio, uniti a piattaforme come SoundCloud, Bandcamp e ai servizi di streaming più famosi, hanno reso possibile per artisti indipendenti entrare nel mercato senza il supporto di grandi etichette discografiche. Questo ha portato a una varietà incredibile di generi e stili che di certo avranno arricchito il panorama musicale globale. E’ pur lecito pensare che tra le centinaia di milioni di canzoni pubblicate non ci sono solo capolavori.
Ascoltando musica a caso nelle playlist dei servizi di streaming, viene piuttosto il dubbio che la proliferazione di musicisti, artisti e produttori abbia generato anche un mare di contenuti mediocri. Certo, i gusti musicali, almeno nella musica pop, sono soggettivi. Fino a un certo punto. Perchè il significato di “mediocre”, in una spaventosa sovrabbondanza di contenuti, può cambiare e diventare un fatto oggettivo. D’altronde con l’intelligenza artificiale bastano tre click per creare una canzone: quale impatto culturale, sociale ed economico ha questo fenomeno?
Impatto della quantità sulla qualità
La qualità della musica è un concetto soggettivo, ma ci sono argomenti validi per ritenere che la facilità con cui si può produrre musica oggi abbia influenzato negativamente questo linguaggio. Note, melodie, armonie, timbri e ritmi si uniscono da sempre in arrangiamenti per esprimere concetti più o meno leggeri, profondi, inutili, volgari, ben oltre i gusti personali. Malgrado gli stravolgimenti che hanno riguardato il concetto di arte contemporanea, l’artista rimane l’elemento creativo e sensibile che deve emozionare e andare oltre l’ovvio e il banale.
Poi c’è la tecnica. Negli anni ’40 e ’50, suonare e cantare con un’orchestra richiedeva precisione e sensibilità catturate con un solo microfono. Negli anni ’60, l’introduzione dei registratori multitraccia ha permesso di correggere errori specifici durante la registrazione. Con l’avvento dell’AutoTune nel 1998, la correzione vocale è diventata un gioco da ragazzi. Successivamente, le tecniche di quantizzazione hanno trasformato ulteriormente gli arrangiamenti e le esecuzioni dei musicisti, spesso privandole di calore umano.
Oggi si usano massivamente strumenti digitali che permettono di correggere errori vocali, quantizzare il ritmo e generare automaticamente melodie e armonie. Tutti i musicisti e i produttori sono sempre più dipendenti da campionamenti, loop e preset digitali, se non dal comporre direttamente tramite AI. L’unicità e l’imperfezione che caratterizzano la musica umana rischiano di scomparire. Questo non solo omologa il suono ma può anche ridurre l’incentivo a sviluppare competenze musicali tradizionali.
Il ruolo dell’industria musicale
Con la fine dei supporti fisici e l’avvento della musica digitale e dei nuovi modelli di distribuzione, le case discografiche hanno dovuto modificare i loro modelli di business. La sovrabbondanza di produzioni e la scarsità di guadagni dello streaming le ha fatte allontanare sempre più da artisti o gruppi rock che fanno musica complessa e sofisticata e che necessita di tempo per essere compresa dal pubblico. Eppure la scoperta e la crescita del talento è sempre stato uno dei compiti delle major.
Riducendosi la necessità di vero talento musicale e creatività, l’economia del click ha spinto l’industria musicale verso formule che garantiscono successo immediato piuttosto che sperimentazione e innovazione. Pur essendoci ancora ancora artisti e produttori che resistono a questa tendenza, cercando di creare opere durature, questo ha portato a una certa uniformità nei generi musicali, con trend che vengono seguiti più per necessità commerciale che per autentica espressione artistica.
Oggi si promuovono artisti che producono musica da soli con strumenti digitali e spesso hanno una base di fans social. Più che musicisti sono influencer che promettono successo commerciale rapido con canzoni “usa e getta”, progettate per attrarre immediatamente indipendentemente dalla profondità artistica. Allo stesso tempo preoccupa l’uso dell’intelligenza artificiale nella musica, con i colossi musicali che potrebbero controllare e monetizzare anche i brani creati da artisti fantasma.
Algoritmi Ai e consumo musicale
Le piattaforme di streaming come Spotify e Apple Music utilizzano algoritmi per suggerire musica agli utenti. Sebbene questo renda più facile scoprire nuovi artisti, c’è il rischio che l’Ai favorisca brani che seguono trend popolari, penalizzando così le opere meno convenzionali. Questo approccio potrebbe portare a una standardizzazione del gusto musicale, con conseguenze sulla diversità e sull’innovazione artistica e sul consumo.
Lo streaming è un flusso che non finisce mai, la musica scorre in continuazione: non si vendono più album ma ci sono ovunque sottofondi musicali nella vita quotidiana. Eppure spesso si ascoltano passivamente, senza valore né importanza. Una esperienza totalmente differente rispetto al passato, quando acquistare un album era un atto di impegno e dedizione, che includeva il piacere di possedere un’opera d’arte.
Il costo mensile di un abbonamento a un servizio di streaming offre accesso a un’immensa libreria di musica, riducendo il valore percepito di ogni singola canzone o album. Questo ha portato a una disconnessione con la musica, dove l’attenzione dei consumatori è frammentata, l’ascolto è distratto e la profondità dell’apprezzamento musicale è diminuito o scomparso nel puro intrattenimento che si alimenta di moda e merchandising.
L’equilibrio tra quantità e qualità
Ascoltando brani che di musicale hanno poco, è comunque inutile essere nostalgici o lamentarsi della quantità se non si percepisce il senso della qualità. La quantità spropositata di brani disponibili sulle piattaforme di streaming rischia di sopraffare gli ascoltatori, che spesso si affidano a playlist automatiche o algoritmi per scoprire qualcosa di nuovo. Come abbiamo visto in questo articolo, però il problema non riguarda solo la produzione musicale, ma anche il modo in cui i contenuti vengono consumati.
Lo streaming, se da un lato offre comodità, dall’altro penalizza la diversità e l’originalità, favorendo un approccio omogeneo e standardizzato alla fruizione musicale. In questo contesto, la curatela professionale può giocare un ruolo fondamentale. Curatori esperti, DJ, critici musicali e appassionati potrebbero guidare gli ascoltatori verso scelte più consapevoli, promuovendo artisti che non sempre trovano spazio nei circuiti mainstream. Le playlist curate manualmente, ad esempio, non solo offrono una selezione di qualità ma raccontano anche una storia, instaurando una connessione più profonda con l’ascoltatore.
La promozione di eventi dal vivo rappresenta un’altra strada verso l’equilibrio. I concerti e i festival musicali non sono solo momenti di intrattenimento, ma esperienze che creano un legame diretto tra artisti e pubblico. Partecipare a un evento dal vivo offre la possibilità di apprezzare la musica in un contesto autentico, lontano dai filtri digitali. Inoltre, la dimensione umana del contatto diretto con l’artista può essere un antidoto alla freddezza dell’ascolto digitale, restituendo alla musica il suo valore culturale e sociale.
Per raggiungere un equilibrio tra quantità e qualità, è fondamentale sensibilizzare il pubblico all’importanza di un consumo musicale più consapevole. Campagne educative, iniziative nelle scuole o collaborazioni con enti culturali potrebbero incoraggiare una nuova generazione di ascoltatori ad apprezzare non solo ciò che è immediatamente accessibile, ma anche ciò che richiede un ascolto attento e riflessivo. Solo attraverso un cambiamento collettivo di mentalità lo streaming potrà ritrovare l’anima trasformando l’industria musicale in un ecosistema più sostenibile e rispettoso della creatività.
